Zátiší
Zátiší umělecké dílo líčí většinou neživá podstata, typicky samozřejmost namítá, že který může být jeden přirozený nebo umělý ve vykonstruovaném nastavení. S původy ve starověku a nejpopulárnější v západním umění od 17. století, obrazy zátiší dají umělci více odchylky v uspořádání elementů designu uvnitř složení než namalovat obrazy jiných druhů předmětů takový jako krajina nebo portrétování. Stále obrazy života, zvláště dříve 1700, často obsahoval náboženský a alegorický symbolizmus vztahovat se k objektům líčený. Nějaké moderní zátiší prolomí dvojrozměrnou bariéru a zaměstná trojrozměrná smíšená média a použití našla objekty, fotografování, počítačovou grafiku jak studnu jako video a zvuk.
Nepřehlédněte: Tato stránka obsahuje strojový překlad textu z anglické encyklopedie Wikipedia. Pokud budou některé pasáže špatně srozumitelné, zkuste se podívat i na text v originále, který najdete pod odkazem Still life. Překlad byl vytvořen pomocí překladače Eurotran.
Historie
Starověcí předchůdcové
Obrazy zátiší často zdobí vnitřek hrobů starobylého Egypťana. To bylo věřil, že objekty jídla a jiné položky líčili tam odkázaný, v posmrtném životě, stát se skutečný a dostupný pro použití zesnulým. Starověké řecké vázové obrazy také projeví velkou zručnost v líčit každodenní objekty a zvířata. Podobné zátiší, více jednoduše dekorační v záměru, ale s realistickým pohledem, také byli nalezení v římských nástěnných malbách a mozaikách podlahy objevených u Pompeii, Herculaneum a vila Boscoreale, zahrnovat později známý motiv skleněné mísy ovoce. Dekorační mozaiky nazvaly “emblema”, nalezený v domovech bohatých Římanů, demonstroval rozsah jídla užil si horními třídami, a také fungoval jako známky pohostinnosti a jako oslavy období a života. 16. století, jídlo a květiny by znovu objevili se jako symboly období a pět smyslů. Také spouštění v římských časech je tradice použití lebky v obrazech jako symbol úmrtnosti a pozemských pozůstatkách, často s průvodním výrazem Omnia mors aequat (smrt dělá všechny se rovnat). Tyto obrazy vanitas re-interpretovaný přes posledních 400 roků historie umění, začínat holandskými malíři asi 1600.
Populární ocenění realismu obrazu zátiší je příbuzné ve starověké řecké legendě Zeuxis a Parrhasius, kdo být říkán k jednou soutěžili vytvořit většina života-jako objekty, historie je nejčasnější druhy trompe l'oeil malovat. Jako Pliny starší nahrával ve starověkých římských časech, Řek století umělců dříve byla už pokročilá v uměních obrazu portrétu a zátiší. On vybral Peiraikos, “jehož umění je předčeno jediný velmi nemnoho … on maloval barbershops a obuvníky” stánky, osli, zeleniny, a takový, a pro to důvod přišel být nazýván “malířem vulgárních předmětů”; přesto tyto práce jsou dohromady nádherné a oni byli prodáváni u vyšších cen než největší [obrazy] mnoho ostatních umělců.”
Středověk a Renaissance
1300, začínat Giotto a jeho žáci, obraz zátiší byl oživen ve formě smyšlených výklenků na náboženských nástěnných malbách, které líčily každodenní objekty. Přes středověk a renesanci, zátiší v západním umění zůstalo primárně doplněk křesťanských náboženských předmětů, a svolal náboženský a alegorický význam. Toto bylo zvláště pravdivé v práci severních evropských umělců, jehož fascinace s velmi detailní optický realismus a symbolizmus přiváděli je k četné velké pozornosti na celkové zprávě jejich obrazů. Malíři jako dodávka Jana Eyck často používal elementy zátiší jako součást programu iconographic.
Vývoj techniky olejomalby Jan dodávkou Eyck a jiní severní evropští umělci umožnili malovat každodenní objekty v tomto hyperaktivní-realistická móda, dlužení k pomalému sušení, mixování a kvalitám zvrstvení olejových barev. Mezi první ke zlomu osvobozenému od náboženského významu byl Leonardo da Vinciho, kdo vytvořil studia vodovky ovoce (asi 1495) jako součást jeho nesoustředěné zkoušky přírody, a Albrecht Dürer kdo také dělal precizní nákresy květeny a faunu.
Petrus Christus” portrét nevěsty a ženich navštěvovat zlatníka typický příklad přechodného zátiší zobrazí oba náboženský a světský obsah. Ačkoli většinou alegorický v zprávě, postavy páru jsou realistické a objekty ukázaný (mince, lodě, etc.) být přesně malován ale zlatník je vlastně zobrazení St. Eligius a objekty těžce symbolický. Další podobný druh obrazu rodinný portrét kombinuje čísla se studnou-prostřel stůl jídla, který symbolizuje jak zbožnost předmětů člověka tak jejich díky za množství boha. Kolem tentokrát, jednoduché zátiší zobrazení se rozvedla čísel (ale ne alegorický význam) začali být malován na vnější straně clon soukromých zbožných obrazů. Další krok k autonomnímu zátiší byl obraz symbolických květin ve vázách na zadní straně světských portrétů asi 1475. Jacopo de” Barbari šel krok dál s jeho životem Stilla s Partridgeem, rukavicemi železa a Crossbow šipkami (1504), mezi nejdříve podepisoval a datoval trompe l'oeil obrazy zátiší, který obsahuje minimální náboženský obsah.
Šestnácté století
16. století osvědčilo explozi zájmu na přírodním prostředí a vytvoření četných botanických encyklopedií zaznamenat objevy nového světa a Asii. To také pobízelo začátek vědecké ilustrace a klasifikace vzorků. Přirozené objekty začaly být oceněn jako individuální předměty studia odděleného od nějakých náboženských nebo mytologických asociací. Časná věda bylinných medicín vznikala v tomto okamžiku také, praktické rozšíření těchto nových znalostí. Navíc, bohatí patroni začali se zaručit za sbírku zvířete a vzorky nerostu, vytvářet rozsáhlý “skříňky kuriozity”. Tyto vzorky sloužily jako modely pro malíře, kteří hledali realismus a novinka. Shelly, hmyzy, exotická ovoce a květiny začínali být klidný a obchodovali, a nové rostliny takový jako tulipán (importovaný k Evropě od Turecka), byl slaven v obrazech zátiší. Horticultural exploze byla širokého rozšířeného zájmu v Evropě a umělec vydělával na tom k produkčním tisícům obrazů zátiší. Některé oblasti a dvory měli zvláštní zájmy. Zobrazení citrus, například, byla zvláštní vášeň Medici dvůr v Florencee, Itálie. Toto velké rozšiřování přirozených vzorků a narůstající zájem na přirozené ilustraci v celé Evropě, vyústil v téměř současné vytvoření moderního zátiší obrazy asi 1600.
Druhou polovinou 16. století, autonomní zátiší se vyvinulo. Postupně, náboženský obsah se zmenšil ve velikosti a umístění v těch malovat, ačkoli morální ponaučení pokračovala jako náhradník-kontexty. Příklad je “řeznictví” Joachim Beuckelaer (1568), s jeho realistickým zobrazením surových mas ovládat popředí, zatímco scéna pozadí zprostředkuje nebezpečí opilosti a smilstvo. Annibale Carracci léčba stejného předmětu v 1583 začne odstranit mravní zprávy, jak dělal jiný “kuchyň a trh” obrazy zátiší tohoto období.
Sedmnácté století
Vyrovnat ačkoli italské zátiší obraz získal popularitu, to zůstalo historicky méně respektoval než “vznešené způsoby” malovat historický, náboženský, a mýtické předměty. Prominentní akademici časného 1600s, jako Andrea Sacchi, cítil, že žánr a obraz zátiší nevysílali “autorita” zasloužila si pro obraz být zvažován velký. Na druhé straně, úspěšné italské zátiší umělci našli postačující sponzorství za jejich den. Dále, malíři žen, nemnoho jak oni byli, obyčejně si vybíral nebo byl omezený na témata obrazu takový jako zátiší, Giovanna Garzoni, Laura Bernasconi, a Fede Galizia například.
Mnoho vedoucích italských umělců v jiném žánru, také produkoval některé obrazy zátiší. Zvláště, Caravaggio aplikoval jeho vlivnou formu naturalismu k zátiší. Jeho koš ovoce (c. 1595-1600) je jeden z prvních příkladů čistého zátiší, přesně tavil a zapadal u úrovně očí. Ačkoli ne zjevně symbolický, tento obraz byl vlastněn Cardinal Borromeo a smět byli oceněni pro oba náboženské a estetické důvody. Jan Bruegel maloval jeho Large Milan kytici (1606) pro kardinála, také, prohlašovat, že on maloval to ' fatta tutti del natturel ' (dělal všechny od přírody) a on si účtoval zvlášť pro zvláštní úsilí. Tito byli mezi mnoho obrazů zátiší ve sbírce kardinála, kromě jeho velké sbírky kuriozit. Mezi jiné italské zátiší, Bernardo Strozzi je Cook je “scéna kuchyně” v holandském způsobu, který je jak detailní portrét kuchaře tak lovní ptáci, které ona připraví. V podobném způsobu, jeden z Rembrandt unikátního zátiší obrazy, malá dívka s mrtvými pávy kombinuje podobnou soucitnou ženu portrét s představami o lovných ptácích.
Stále život vstoupil do jeho vlastní v novém uměleckém klimatu Nizozemska v 17. století (s stilleven jména: zátiší je chvíle calque Romance jazyky (a Rus) inklinovat k požadavkům použití znamenat mrtvou přírodu). Zatímco umělci našli omezenou příležitost produkovat náboženský iconography, který dlouho byl jejich základ — představy o náboženských předmětech byly zakázány v holandském reformovaném protestantovi Church — pokračující severní tradice detailního realismu a skryté symboly se líbili rostoucím holandským měšťanským stavům, kdo byl nahrazovat Churche a stát jako hlavní patroni umění v Nizozemí. Přidal se k tomuto byla holandská mánie pro zahradnictví, zvláště tulipán. Tyto dva pohledy na květiny — jako estetické objekty a jako náboženské symboly — se ponořil vytvořit velmi silný trh pro tento druh zátiší. Stále život, jako většina holandského uměleckého díla, byl obecně prodaný ve volných obchodech nebo prodejci, nebo umělci u jejich studi, a zřídka pověřěný; proto, umělci obvykle si vybrali téma a uspořádání. Tak populární byl tento druh obrazu zátiší, to hodně z techniky holandské květiny obraz byl kodifikován v 1740 pojednání Groot Schilderboeck Gerard de Lairesse, který dával rozsáhlou radu o barvě, dohodnout, malířský rukopis, příprava vzorků, harmonie, složení, pohled, etc.
Symbolizmus květin se vyvinul od časných křesťanských dnů. Nejvíce obyčejné květiny a jejich symbolické významy obsahují: se zvedl (Marie Virgina, pomíjivost, Venus, láska); lílie (Marie Virgina, panenství, hruď ženy, čistota mysli nebo spravedlnosti); tulipán (showiness, šlechta); sunflower (věrnost, božská láska, oddanost); fialový (skromnost, rezerva, pokora); columbine (melancholii); mák (síla, spánek, smrt). Jak pro hmyzy, motýlek reprezentuje transformaci a vzkříšení, zatímco vážka symbolizuje pomíjivost a mravence píle a pozornost sklizni.
Holandští umělci také se rozdělili a oživili starověkého Řeka tradice zátiší trompe l'oeil, zvláště napodobování přírody nebo mimesis, který oni nazvali betriegerje (“malým podvodem”). Kromě těchto druhů zátiší, holandští umělci identifikovali a odděleně vyvíjeli “kuchyň a trh” obrazy, snídaně a jídlo předloží zátiší, vanitas obrazy a alegorické sbírkové obrazy.
Obzvláště populární v tomto období bylo obrazy vanitas, ve kterých nákladných uspořádáních ovoce a květinách, knihy, sošky, vázy, mince, klenoty, obrazy, hudební a vědecké nástroje, vojenské insignie, pokutovat stříbro a krystal, byl doprovázen symbolickými památkami impermanence života. Dále, lebka, přesýpací hodiny nebo kapsa sledují to, svíce, která hoří dole nebo kniha s odbočkou stran, by sloužil jako moralizující zpráva na ephemerality smyslových potěšení. Často některé ty plody a květiny sám by byli ukázané spouštění zkazit se nebo vyblednout zdůraznit stejný smysl.
Další druh zátiší, známý jako “obrazy snídaně”, reprezentovat oba doslovné představení pochoutek že vyšší vrstva by mohla užít si a náboženská památka se vyhnout žravosti. V další holandské inovaci, kolem 1650 Samuel dodávky Hoogstraten maloval jeden z první zdi-obrazy poličky, trompe l'oeil obrazy zátiší které objekty rysa remizovaly, zakřižoval nebo připevnil v nějaké jiné módě k tabuli zdi, druh zátiší velmi populární ve Spojených státech v 19. století. Další variace byla trompe l'oeil zátiší líčilo objekty spojené s danou profesí, zatímco se Cornelis Norbertus Gysbrecht maluje “Painterův podstavec s kusem ovoce”, který zobrazuje všechny nástroje řemesla malíře. Také populární v první polovině 17. století byl obraz velké směsi vzorků v alegorickém ročníku, takový jak “pět smyslů”, “čtyři kontinenty”, nebo “čtyři období”, ukazovat bohyni nebo alegorické číslo obklopené vhodným předurčeným člověkem a umělými objekty. Popularita vanitas obrazy a tyto jiné formy zátiší, brzy šířil se od Holandska k Flandersi a Německa, a také ke Španělsku a Francii.
Německé zátiší následovalo blízko holandské modely. Německý malíř Georg Flegel byl průkopník v čistém zátiší bez čísel a vytvářel kompoziční inovace rozmístění popsala objekty ve skříňkách, skříně a vitríny a výrobní současný násobek hledí. Stále obraz života ve Španělsku, také volal bodegones, byl prostý. To se lišilo od holandského zátiší, který často obsahoval bohaté bankety obklopené ozdobenými a luxusními položkami tkaniva nebo sklem. Hra ve španělských obrazech je často prostá mrtvá zvířata ještě čekat, že je stáhnut. Ovoce a zeleniny jsou neuvaření. Pozadí jsou bezútěšné nebo prosté dřevo geometrické bloky, často vytvářet surrealistický vzduch. Dokonce zatímco oba holandské a španělské zátiší často mělo vložený mravní účel, strohost, který někteří shledají blízký bezútěšnosti některých těch španělských plošin, vypadá, že odmítne smyslné rozkoše, plnost a přepych holandského zátiší obrazy. V Itálii katolíka a Španělsku, čistý vanitas obraz byl vzácný a tam bylo daleko méně specialistů zátiší. V jižní Evropě je více zaměstnání měkkého naturalismu Caravaggio a méně důrazu na hyperaktivní-realismus ve srovnání se severními evropskými styly. Ve Francii, malíři zátiší byli ovlivňováni oběma severní a jižní školy, výpůjčka z obrazů vanitas Nizozemska a náhradních uspořádání Španělska.
Osmnácté století
18. stoletím, v mnoha případech, náboženské a alegorické konotace obrazů zátiší byly vynechány a obrazy kuchyňského stolu se vyvinuly do vypočtených zobrazení rozmanité barvy a formy, zobrazovat každodenní jídla. Aristokracie francouzštiny zaměstnala umělce vykonat obrazy bounteous a marnivé zátiší předměty, které zdobily jejich jídelní stůl, také bez moralistické vanitas zprávy jejich holandských předchůdců. Rokoková láska k vynalézavosti vedla k nárustu ocenění ve Francii pro trompe l'oeil (francouzský: “napálit oko”) malovat. Jean-Baptiste Chardin zátiší obrazy zaměstnají paletu technik od holandský-realismus stylu k měkčím harmoniím.
Ve Spojených státech během Revolutionary časů, američtí umělci cvičili do zahraničí aplikoval evropské styly k americkému podobiznovému obrazu a zátiší. Charles Willson Peale založil rodinu prominentních amerických malířů, a jako hlavní vůdce v americkém uměleckém společenství, také založil společnost pro trénink umělců stejně jako známé muzeum přirozených zvědavostí. Jeho syn Raphaelle Peale byl jeden z skupiny brzy amerického zátiší umělci, který také zahrnoval Johna F. Francise, král Charlese Birda, a John Johnston. Druhou polovinou 19. století, Martin Johnson Heade představil americkou verzi lokality nebo obraz biotope, který umístil květiny a ptáky v simulovaných venkovních prostředích. Američan trompe l'oeil obrazy také vzkvétaly během tohoto období, vytvořený Johnem Haberle, William Michael Harnett, a John Frederick Peto. Peto se specializoval v nostalgické zdi-obraz poličky zatímco Harnett dosáhl nejvyšší úrovně hyperaktivní-realismus v jeho ilustrovaných oslavách amerického života přes známé objekty.
Devatenácté století
Se vzestupem evropských akademií, nejvíce pozoruhodně Académie française který držel centrální roli v Academic umění, ještě život začínal k pádu z laskavosti. Akademie učily doktrínu “hierarchie žánrů” (nebo “hierarchie obsahu”), který si myslel, že obrazová umělecká hodnota byla umístěná primárně k jeho tématu. V Academic systému, nejvyšší forma obrazu sestávala z obrazů historický, biblický nebo mytologický význam, s předměty zátiší odsouzenými k velmi nejnižšímu pořadí uměleckého uznání. Místo toho, aby používal zátiší velebit přírodu, někteří umělci, takový jako John Constable a Camille Corot, vybral krajiny, aby sloužil těmi cíli.
Když Neo-klasicismus začal jít do poklesu 1830 , žánr a obraz portrétu se stali fokusem pro realistu a romantickými uměleckými revolucemi. Mnoho z velikých umělců toho období zahrnoval zátiší v jejich skupině práce. Obrazy zátiší Francisca Goya, Gustave Courbet, a Eugène Delacroix zprostředkuje silný citový proud, a být méně zaujatý precizností a více zaujatý náladou. Ačkoli vzorovaný na časnějším zátiší předměty Chardin, Edouard Manet zátiší obrazy jsou silně tónové a jasně spěl k impressionismu. Henri Fantin-Latour, použití více tradiční techniky, byl slavný jeho nádhernými květinovými obrazy a vydělával na jeho živobytí téměř výhradně malovat zátiší pro sběratele.
Nicméně, to nebylo až do finálního úpadku akademické hierarchie v Evropě a vzestupu impressionisty a pošty-impressionističtí malíři, ta technika a harmonie barvy triumfovali nad obsahem a to zátiší bylo jednou znovu zaníceně vycvičené umělci. V jeho časném zátiší, Claude Monet ukazuje vliv Fantin-Latour, ale je jeden první zbavit tradici tmavého pozadí, který Pierre-Auguste Renoir také odloží v Still životě s kyticí a Fan (1871), s jeho pozadím zářivé oranžové. S impressionistickým zátiším, alegorický a mytologický obsah je kompletně chybějící, jak je úzkostlivě detailní štětcová práce. Impressionisti místo toho se zaměřil na experimentování v široký, poklepávat tahy štětcem, tónové hodnoty a umístění barvy. Impressionisti a pošta-impressionisti byli inspirováni přírodními barevnými schématy ale reinterpreted přírodou s jejich vlastními barevnými harmoniemi, který někdy ukázal se překvapujíce unnaturalistic. Jak Gauguin říkal, “barvy mají jejich vlastní smysly.” změny v pohledu jsou také zkoušeny, takový jak používat pevné obdělávání a vysoké úhly, jak s ovocem zobrazovaným na státě při Gustaveovi Caillebotte, obraz, který byl zesměšňoval čas jak “ukázka ovoce v bird's-prohlížet si pohled.”
Vincent van Gogh je “Sunflowers” obrazy jsou některá ta nejlépe známý 19. století obrazy zátiší. Použití van Gogha většinou posílí žlutý a spíše plochá vizualizace dělat památný příspěvek k historii zátiší. Jeho život Stilla s kreslením Board (1889) je self-portrét ve formě zátiší, s van Goghem líčit mnoho položek jeho osobního života, včetně jeho roury, jednoduché jídlo (cibule), inspirující kniha, a dopis od jeho bratra, všichni vyložili na jeho stolu, bez jeho vlastního přítomného obrazu. On také maloval jeho vlastní verzi vanitas obrazového Still života s otevřenou Biblí, svíčka, a Book (1885).
Dvacáté století a za
První čtyři desetiletí dvacátého století tvořila výjimečné období umělecký kvasit a revoluce. Avantgardní činnosti rychle se vyvíjely a překrývaly se v pochodu k nonfigurative, celkové abstrakci. Zátiší, stejně jako jiné prezentační umění, pokračoval se vyvinout a nastavit dokud ne střední-století když abstrakce úhrnu, jak ilustrovaný Jackson Pollockovými kapkovýma obrazy, odklidil celý rozeznatelný obsah.
Století začalo několika trendy brát držení v umění. V 1901, Paul Gauguin maloval Still život se Sunflowers, jeho pocta jeho příteli van Gogh kdo zemřel jako jedenáct roků dříve. Skupina známá jako Nabi, včetně Pierrea Bonnard a Edouard Vuillard, začal s Gauguin je harmonické teorie a větší elementy inspirované woodcuts Japonce k jejich obrazům zátiší. Francouzský umělec Odilon Redon také maloval pozoruhodné zátiší během v této době, obzvláště kvete.
Henri Matisse redukoval ztvárnění objektů zátiší dokonce ještě více k malý víc než tučné, ploché obrysy naplněné pestrými barvami. On také simplifyied pohled a představovat multi-pozadí barvy. V některých jeho obrazů zátiší, takový jako Still život se lilky, jeho stůl objektů je téměř ztracený uprostřed jiných barvitých vzorů plnit zbytek místnosti. Jiní zastáncové Fauvism, takový jako Maurice de Vlaminck a André Derain, dále prozkoumal čistou barvu a abstrakci v jejich zátiší.
Paul Cézanne nalezený v zátiší dokonalý prostředek pro jeho zkoumání revolucionáře v geometrické prostorové organizaci. Pro Cezanne, zátiší byly primární volby prostředky k obrazu braní pryč od ilustrativní nebo divadelní funkce k jednomu demonstrovat nezávisle prvky barvy, formy a linky, hlavní krok k Abstract umění. Dále, Cézanne experimenty mohou být viděny jako prokládání přímo k vývoji kubistického zátiší v brzy 20. století.
Adaptovat Cezanne posouvání letadel a sekyry, Cubists podmanil si barevnou paletu Fauves a zaostřil místo toho na objektech deconstructing do čistých geometrických forem a letadlech. Mezi 1910 a 1920, kubističtí umělci jako Pablo Picasso, Georges Braque, a Juan Gris maloval mnoho složení zátiší, často zahrnovat hudební nástroje jak studnu jak vytvářet první Synthetic kubistický collage pracuje, takový jako Picasso ovál “Still život s židlí Caning” (1912). V těchto pracích, objekty zátiší přesáhnou a smísí se stěží uchovat identifikovatelné dvojrozměrné tvary, ztrácet individuální povrchovou texturu a zatřiďování do pozadí — dosahovat cílů téměř opačných k těm tradičního zátiší. Fernand Léger zátiší představilo použití hojného prázdného místa a barevného člověka, ostře definovaný, přečnívat geometrické tvary vyvolat více mechanický účinek. Odmítat zploštění prostoru Cubists, Marcel Duchamp a jiní členové Dada hnutí, šel v radikálně odlišném směru, vytvářet 3-D “hotový” sochy zátiší. Jako součást obnovení nějaký symbolický význam k zátiší, futuristi a surrealisté umístili rozeznatelné zátiší objekty v jejich dreamscapes. V Joan Miró je obrazy zátiší, objekty vypadají beztížné a se vznášejí v lehce navrhnutém dvojrozměrném prostoru a dokonce hory jsou kresleny jako jednoduchá vedení. V Itálii během této doby, Giorgio Morandi byl foremost malíř zátiší, prozkoumávat širokou paletu přístupů k líčit každodenní láhve a kuchyň splní. Holandský umělec M. C. Escher, nejlépe známý pro jeho detailní přesto dvojznačnou grafiku, stvořil Still život a Street (1937), jeho aktualizovaná verze tradičního holandského stolního zátiší.
Když 20. staletí američtí umělci stali se vědomí evropského modernismu, oni začali interpretovat předměty zátiší s kombinací amerického realismu a Cubist-odvodil abstrakci. Typický pro americké zátiší práce tohoto období jsou obrazy Gruzie O'Keeffe, Stuart Davis, a Marsden Hartley, a fotografie Edwarda Westona. O'Keeffe je krajní-closeup obrazy květiny odhalí jak fyzickou strukturu tak citový podtext plátků a listů v nebývalém způsobu.
V Mexiku, začínat v 1930 , Frida Kahlo a ostatní umělci vytvořili jejich vlastní cejch surrealismu, představovat přirozená jídla a kulturní motivy v jejich obrazech zátiší.
Začínat v 1930 , abstraktní expresionismus hrozně redukoval zátiší k surovým zobrazením formy a barvu, dokud ne 1950 , abstrakce úhrnu ovládala umělecký svět. Nicméně, popové umění v 1960 a 1970 změnil trend a vytvořil novou formu zátiší. Hodně popového umění (takový jako Andy Warhol je “Campbellovy plechovky polévky”) je založený na zátiší ale jeho opravdovém předmětu je nejvíce často commodified představa o obchodním výrobku reprezentovala spíše než fyzické zátiší namítat sebe. Roy Lichtensteinovo zátiší s mísou zlaté rybky (1972) kombinuje čisté barvy Matisse s popovými iconography Warhol. Wayne Thiebaud je stůl oběda (1964) vylíčí ne jediná rodina je oběd ale montážní linka standardizovaných amerických jídel. Neo-dada hnutí, včetně Jaspera Johnse, se vrátil k Duchamp trojrozměrné reprezentaci každodenních domácích objektů vytvořit jejich vlastní cejch práce zátiší, jak v Johnsi” maloval bronz (1960) a blázen je House (1962).
Vzestup Photorealism v 70-tých letech potvrdil illusionistic reprezentaci, zatímco udrží některé popové zprávy fúze objektu, obrazu a obchodního výrobku. Typický v tomto ohledu jsou obrazy Dona Eddyho a Ralph Goings.
V posledních třech dekádách, zátiší expandovalo za hranicí rámce, s nějakým smíšeným mediálním zátiším upotřebení práce našlo objekty, fotografování, video a zvuk, a dokonce být vypuštěný od stropu k podlaze a náplni celá místnost v galerii. Počítač-tvořil grafiku rozšířili techniky dostupné umělcům zátiší. S použitím videokamery, umělci zátiší mohou dokonce začlenit diváka do jejich práce.