Historie umění

Historie umění historicky byla dohodnutá jako akademické studium předmětů umění v jejich historickém vývoji a stylistických kontextech, i.e.genre, design, formát, a look.This zahrnuje “hlavní” umění obrazu, sochy a architektury stejně jako “menší” umění keramik, nábytek a jiné ozdobné předměty. Historická páteř disciplíny je slavnostní chronologie krásných vytvoření financovaných muži horní třídy v západní Evropě. Takový “kanovník” zůstane prominentní, jak signalizoval výběrem objektů přítomných v učebnicích historie umění. Nicméně, protože střední-20. století tam bylo úsilí k re-definovat disciplínu být více zahrnující non-západní umění, umění dělané ženami a kreativitou lidové mluvy.

Jako termín, Historie umění (také historie umění) zahrnuje několik metod studování obrazová umění; v běžném zvyku se odkazovat na umělecká díla a architekturu. Aspekty disciplíny se překrývají. Jako historik umění Ernst Gombrich jednou pozoroval to, “pole historie umění [je] hodně jako Caesar' s Gálie, rozdělený ve třech částech obydlený tři různý, ačkoli ne nutně nepřátelské kmeny: (i) znalci, (ii) kritici, a (iii) akademičtí umělečtí historici”.

Nepřehlédněte: Tato stránka obsahuje strojový překlad textu z anglické encyklopedie Wikipedia. Pokud budou některé pasáže špatně srozumitelné, zkuste se podívat i na text v originále, který najdete pod odkazem Art history. Překlad byl vytvořen pomocí překladače Eurotran.

Jako disciplína, historie umění je rozlišována od kritika umění, který je znepokojen určením poměrné umělecké hodnoty na pracích jednotlivce s úctou k jiným srovnatelného stylu, nebo schválit celý styl nebo hnutí; a teorie umění nebo”filozofie umění#rquote, který je znepokojen základní povahou umění. Jedno odvětví této oblasti studia je estetika, který obsahuje vyšetřovat hádanku úžasný a určovat esenci krásy. Technicky, historie umění není tyto věci, protože historik umění použití historická metoda zodpovědět otázky: Jak umělec přišel vytvořit dílo? Kdo byl patroni? Kdo byl jeho nebo její učitelé? Kdo byl publikum? Kdo byl jeho nebo její učedníci? Jaké historické síly formovaly oeuvre umělce a Jak dělal on nebo ona a vytvoření, podle pořadí, ovlivnit průběh umělecký, politický, a společenské akce?

Toto nemá říkat, že historie umění je jen životopisná snaha. Ve skutečnosti, historici umění často zakoření jejich studia v blízká kontrola jednotlivce namítá. Oni tak pokoušejí se odpovědět v historicky přesných cestách, qquestions takový jak: Co jsou klíčové rysy tohoto stylu?, co meanind tento objekt dopravil?, jak dělá tomu funkci vizuálně?, umělec uskutečnil jejich cíle dobře?, jaké symboly jsou zahrnovány?, a dělá tomu discursively funkce?

Historie umění série
Prehistorické umění
Historie antického umění
Západní historie umění
Východní historie umění
Islámská historie umění
Západní obraz
Historie obrazu
Historie umění

Západní historie umění série
Středověké umění
Renesance
Manýrismus
Barokní
Neoklasicismus
Romantismus
Realismus
Moderní umění
Současné umění

Definice

Historie umění jak my víme, že to dnes začalo v devatenáctém století ale má datování precedensů k antice. Mějte rád analýzu historických trendů v politice, literaturu a vědy, výhody disciplíny od jasnosti a přenositelnosti napsaného slova ale historici umění také se spoléhají na formální analýzu, sémiotiku, psychoanalýzu a iconography. Pokroky ve fotografické reprodukci a tiskařské techniky po druhé světové válce zvýšili schopnost reprodukcí předloh. Takové technologie pomáhaly urychlit kázeň v hlubokých cestách, zatímco oni umožnili snadná srovnání objektů. Studie vizuálního umění tak popsala, moci být praxe, která zahrnuje understandingcontext, formu a společenský význam.

Metodologie

Historici umění zaměstnávají množství metod jejich výzkumu kvalit, přírody a historie objektů.

Historici umění často zkoušejí práci z kontextu jeho času. Přinejlepším, toto je děláno ve způsobu, který respektuje jeho motivations tvůrce a nezbytnosti; s ohledem na touhy a předsudky jeho patronů a sponzorů; s srovnávací analýzou témat a příchody kolegů tvůrce a učitelů; a s ohledem na iconography a symbolizmus. V krátkosti, tento přístup zkoumá umělecké dílo v souvislosti se světem uvnitř kterého to bylo vytvořeno.

Historici umění také často zkoumají práci přes analýzu formy; to je, tvůrce je použití linka, tvar, barva, struktura, a složení. Tento přístup zkoumá jak použití umělce dvojrozměrný si představit letadlo nebo tři rozměry sochařský nebo architektonický prostor vytvořit jeho nebo její umění. Cesta tyto jednotlivé prvky jsou zaměstnané výsledky v prezentační nebo non-prezentační umění. Umělec napodobí objekt nebo obraz najitý v přírodě? Jestliže tak, to je prezentační. Blíže umění seká k dokonalé imitaci, více umění je realistický. Je umělec ne napodobovat, ale místo toho se spoléhat na symbolizmus, nebo v důležité cestě snažit se zachytit přírodní příchuť, spíše než kopírovat to přímo? Jestliže tak umění je non-prezentační -- také volal souhrn. Samozřejmě, realismus a abstrakce existují na kontinuu. Impressionismus je příklad prezentačního stylu, který nebyl přímo napodobovací, ale snažil se vytvořit “dojem” přírody. Jestliže práce je neprezentační a je výraz pocitů umělce, touhy a usilování, nebo je hledání ideálů krásy a formy, práce je non-prezentační nebo práce expresionismus.

An iconographical analýza je jeden které zájmy o zvláštní designové prvky objektu. Přes blízké čtení takových elementů, to je možné trasovat jejich počet řádků, a s tím dojít k závěry pozorovat původy a trajektorii tito motivy. Podle pořadí, to je možné dělat nějaké množství pozorování pozorovat společenský, kulturní, ekonomický, a estetické hodnoty těch zodpovědný za produkování objekt.

Konečně, mnoho historiků umění používá kritická teorie formovat jejich vyšetřování objektů. Teorie je nejvíce často použitá když se zabývá nedávnějšíma objekty, ti od pozdní 19. století kupředu. Kritická teorie v historii umění je často půjčil si od literární učenci, a to zahrnuje aplikaci non-umělecká analytická kostra ke studiu umění namítá. Feministka, Marxista, kritický závod, divný, a postcolonial teorie jsou všechny zachovalé v disciplíně. Jak v literárních studiech, tam je zájem mezi učence v přírodě a životním prostředí ale směr že toto bude odnášet disciplína má zatím být předurčený.

Historický vývoj

Pliny starší a starověké precedensy

Nejdříve přežívající psaní na umění, které může být klasifikované jak historie umění jsou průchody v Pliny starší' s Přirozená historie ohledně vývoje Socha Řeka a obraz. Od nich to je možné trasovat nápady Xenokrates Sicyon, sochař Řeka, který byl možná první historik umění. Pliny práce, zatímco hlavně encyklopedie věd, tak byl vlivný odRenaissance kupředu směřující. (průchody o technikách použitých malířem Apelles byli obzvláště známí.) podobný, ačkoli nezávislý, vývoje se vyskytovaly v 6. staleté Číně, kde kanovník umělců úctyhodného člověka byl založen spisovateli v učenci-oficiální třída. Tito spisovatelé, být nutně dovedný v kaligrafii, byli umělci sám. Umělci jsou popisováni v Šest principů obrazu formuloval Xie on.

Vasari a biografie umělců

Zatímco osobní vzpomínky umění a umělci dlouho byli psaní a četli (vidět Lorenzo Ghiberti pro nejlepší časný příklad), to bylo Giorgio Vasari, toskánský malíř, sochař a autor Životy malířů, kdo psal první pravdivý historie umění. On zdůraznil průběh umění a vývoj, který byl milník na tomto poli. Jeho byl osobní a historický účet, představovat biografie individuálních italských umělců, mnoho z koho byl jeho současníci a osobní známosti. Nejproslulejší tito byli Michelangelo, a Vasari účet je poučný, ačkoli nadržoval v místech. Vasari myšlenky na umění držely houpat se až do 18. století, když kritika byla srovnaná na jeho životopisný popis historie.

Winckelmann a kritika umění

Učenci takový jako Johann Joachim Winckelmann (1717-1768), posoudil Vasari je “kult” umělecké osobnosti a oni argumentovali, že skutečný důraz ve studii o umění by měl být pohledy na učeného diváka a ne jedinečné hledisko charismatického umělce. Winckelmann spisy tak byly začátky kritiky umění. Winckelmann critiqued umělecké přemíry Baroque a rokoko se tvoří, a byl pomocný v chuti reformování v laskavosti střízlivější Neoclassicism.Jacob Burckhardt (1818 - 1897), jeden z zakladatelů historie umění, poznamenal, že Winckelmann byl ' první rozlišovat mezi obdobími antického umění a spojit historii stylu se světovými dějinami '. Od Winckelmann dokud ne střední-20. století, pole historie umění bylo ovládáno Němcem-akademici mluvení. Winckelmann práce tak označila počet historie umění do vysoce-filozofické pojednání německé kultury.

Winckelmann byl čten zaníceně Johann Wolfgang Goethe a Friedrich Schiller, oba koho začal psát o historii umění a jeho účtu Laocoon způsobil odezvu Lessing. Vznik umění jako hlavní předmět filozofického spekulování byl zpevněn vzhledemImmanuel Kant' s Kritika mínění v 1790, a byl podporován Hegel' s Přednášky o estetice. Hegel filozofie sloužil jako přímá inspirace pro Karl Schnaase' s pracovat. Schnaase je Niederländische Briefe postavil teoretické základy pro historii umění jako autonomní disciplína, a jehoGeschichte der bildenden Künste, jeden z prvních historických přehledů historie umění od starověku k renesanci, usnadnil výuku historie umění v němčině-univerzity mluvení. Schnaase průzkum byl vydáván současně s podobnou prací Franz Theodor Kugler.

Wölfflin a stylistická analýza

Heinrich Wölfflin (1864-1945), kdo studoval u Burckhardt v Basileji, je “otec” moderní historie umění. Wölfflin učil u univerzit Berlína, Basilej, Mnichov, a Curych. Množství studentů pokračovalo k významným kariérám v historii umění, včetně Jakob Rosenberg a Frida Schottmuller. On představil vědecký přístup k historii umění, se zaměřit na tři pojetí. Firstly, on pokoušel se studovat umělecké použití psychologie, zvláště tím, že aplikuje práci Wilhelm Wundt. On argumentoval, kromě jiného, že umění a architektura jsou dobří jestliže oni se podobají lidskému tělu. Například, domy byly dobré jestliže jejichpozlátka vypadal jako tváře. Zadruhé, on představil myšlenku na umění studování přes srovnání. Tím, že porovná obrazy jednotlivce ke každému jiný, on byl schopný udělat odlišnosti styl. Jeho kniha RenaissanceandBaroque vyvinul tuto myšlenku, a byl první k přehlídce jak tato stylistická období se lišila od jednoho jiný. V kontrastu kGiorgio Vasari, Wölfflin byl nezaujatý biografiemi umělců. Ve skutečnosti on navrhoval vytvoření “historie umění bez jmén.” konečně, on učil se umění založenému na nápadech nationhood. On byl zvláště zainteresovaný v zda tam byl neodmyslitelně “Ital” a neodmyslitelně”Němec#rquote styl. Tento poslední zájem byl nejvíce úplně spojený v jeho monografii německého umělce Albrecht Dürer.

Riegl, Wickhoff, a vídeňská škola

Současný s Wölfflin kariérou, hlavní škola umění-historické myšlení se vyvíjelo na univerzitě Vídně. První generace vídeňské školy byla ovládána Alois Riegl a Franz Wickhoff, oba studenti Moritze Thausing, a byl charakterizován tendencí přehodnotit zanedbaná nebo disparaged období v historii umění. Riegl a Wickhoff oba psali značně na umění pozdního starověku, který před nimi byl považován za období poklesu od klasického ideálu. Riegl také přispěl k přehodnocení barokní.

Příští generace profesorů na Vídni zahrnovala Maxa Dvořák, Julius von Schlossera, Hans Tietze, Karl Maria Swoboda, andJosef Strzygowski. Číslo nejdůležitější twentieth-staletí umělečtí historici, včetně Ernsta Gombrich, získal jejich hodnosti u Vídně v tomto okamžiku. Termín “druhá vídeňská škola” (nebo “nová vídeňská škola”) obvykle se odkazuje na následující generaci vídeňských učenců, včetně Hanse Sedlmayr, Otto Pächt, a Guido Kaschnitz von Weinberga. Tito učenci začali ve třicátých létech k návratu k práci první generace, zvláště k Riegl a jeho pojetí Kunstwollen, a pokoušel se vyvinout to do plnohodnotného umění-historická metodologie. Sedlmayr, zvláště, odmítl minutovou studii iconography, sponzorství a ostatní přístupy obeznámené s historickým kontextem, preferring místo toho se soustředit na estetické kvality uměleckého díla. Jako výsledek, druhá vídeňská škola získala si reputaci pro unrestrained a nezodpovědný formalizmus, a byl dále barevný Sedlmayr je zjevný rasismus a členství ve straně nacisty. Tato druhá tendence byla, nicméně, žádnými prostředky rozdělenými všemi členy školy; Pächt, například, byl sám židovský, a byl nucený opustit Vídeň ve třicátých létech.

Panofsky a iconography

Dnešní chápání symbolického obsahu umění přijde ze skupiny učenců, kteří se shromáždili v Hamburku ve dvacátých létech. Nejprominentnější mezi nimi byl Erwin Panofsky, Aby Warburg, a Fritz Saxl. Spolu oni se vyvíjeli hodně slovníku, který pokračuje být použit v 21. století historiky umění. “Iconography “-- s kořeny znamenat “symboly od psaní” odkazuje se na téma n umění odvozené z psaných zdrojů -- obzvláště bible a bájesloví. “Iconology” je širší termín, který se odkazoval na celý symbolizmus, zda odvozený ze specifického textu nebo ne. Dnes historici umění někdy používají tyto požadavky zaměnitelně.

Panofsky, v jeho časné práci, také vyvinul teorie Riegl, ale stal se nakonec více zaujatý iconography, a zvláště s přenosem témat příbuzných klasickému starověku ve středověku a Renaissance. V tomto směru jeho zájmy se střetávaly s těmi Warburg, syn bohaté rodiny, která shromáždila působivou knihovnu v Hamburku věnoval se výzkumu klasické tradice v pozdnějším umění a kultuře. Dolů Saxl je dobrá znamení, tato knihovna byla vyvinuta do výzkumného ústavu, propojil se s University Hamburku, kde Panofsky učil.

Warburg zemřel v 1929, a ve třicátých létech Saxl a Panofsky, oba židovský, byl nucený opustit Hamburk. Saxl vyrovnal se v Londýně, přinášet Warburg knihovnu s ním a zakládat Warburg institut. Panofsky se usadil v Princeton u ústavu pro pokročilé studium. V tomto směru oni byli díl neobyčejného přílivu německých uměleckých historiků do angličtiny-akademie mluvení ve třicátých létech. Tito učenci byli velmi zodpovědní za založení historie umění jako legitimní pole studia v angličtině-svět mluvení, a vliv Panofsky metodologie, zvláště, určoval běh americké historie umění pro generaci.

Freud a psychoanalýza

Heinrich Wölfflin byl ne jediný učenec se odvolat na psychologické teorie ve studii o umění. Psychoanalyst Sigmund Freud napsal knihu na umělci Leonardo da Vinciho, ve kterém on používal Leonardovy obrazy vyslýchat psychiku umělce a sexuální orientaci. Freud odvozoval od jeho analýzy že Leonardo byl pravděpodobně homosexuál.

Použití posmrtného materiálu hrát psychoanalýza je sporná mezi historiky umění, obzvláště protože sexuální mores Leonarda má čas a Freud je být různý, to je často zkuseno. Jeden best-known psychoanalytičtí učenci je Laurie Schnieder Adams, kdo psal populární učebnici, umění přes čas a umění knihy a psychoanalýzu.

Jung a archetypy

Carl Jung také aplikoval psychoanalytickou teorii k umění. C.G. Jung byl švýcarský psychiatr, vlivný myslitel a zakladatel analytické psychologie. Jungův přístup k psychologii zdůraznil rozumět psychice přes prozkoumávat světy snů, umění, bájesloví, světového náboženství a filozofie. Hodně z práce jeho života byl utracený prozkoumávat Eastern a západní filozofie, alchymie, astrologie, sociologie jak studna asliterature a umění. Jeho nejvíce pozoruhodné příspěvky zahrnují jeho představu o psychologickém archetype, collective unconscious, a jeho teorie synchronicity. Jung věřil, že mnoho zážitků vnímaných jako shoda okolností nebylo pouze kvůli šanci ale, místo toho, navrhl projev paralelních událostí nebo okolnosti odrážet toto řídící dynamický. On se dohadoval o tom collective unconscious a typické užívání metafor bylo zjistitelné v umění. Jeho nápady byly zvláště populární mezi americké abstraktní expresionisty ve čtyřicátých létech a padesátých létech. Jeho práce inspirovala surrealistickou představu o užívání metafor kreslení od snů a unconscious.

Jung zdůraznil důležitost rovnováhy a harmonii. On varoval, že moderní lidé spoléhají se příliš těžce na vědě a logice a by těžil z začleňující duchovnosti a ocenění bezvědomé oblasti. Jeho práce ne jen odjistil analytickou práci historiky umění, ale to stalo se integrované integrální část umění-výroba. Jackson Pollock, například, skvěle vytvořil sérii kreslení doprovázet jeho psychoanalytická zasedání se jeho Jungian psychoanalyst, Dr. Joseph Henderson. Henderson kdo později publikoval kreslení v textu oddaném Pollockovým zasedáním si uvědomila jak silný kreslení byla jako léčebný nástroj.

Psychoanalýza dědictví v historii umění byla hluboká, a poskytne beyone Freud a Jung. Prominentní feministický umělecký historik Griselda Pollocková, například, tahy na psychoanalýzu oba v její četbě do současného umění a v jejím rereading modernistického umění. S Griselda Pollockinou četbou francouzské feministické psychoanalýzy a zvláště spisy Juliy Kristeva a Bracha L. Ettinger, jak s četbami Rosalind Kraussové Jacquese Lacan a Jean-François Lyotard a Kateřina de Zegher je správcovské rereading umělecké, feministické teorie psané v polích feminismu francouzštiny a Psychoanalysis silně oznámil reframing jak muže tak umělce žen v historii umění.

Marx a ideologie

Během střední-20. století historici umění obejali společenskou minulost tím, že používá kritické přístupy. Cíl má se ukázat jak umění ovlivňuje se s mocenskými strukturami ve společnosti. Jeden kritický přístup že historici umění používali byl marxismus. Marxistická historie umění pokoušela se se ukázat jak umění bylo poutané ke specifickým třídám, jak obrazy obsahují informaci o ekonomice a jak obrazy mohou dělat stav quo vypadají přirozené (ideologie). Snad best-known marxista byl Clement Greenberg, kdo přišel k výtečnosti během pozdních třicátých lét s jeho esejem “avantgardní a kýčový”. v eseji Greenberg prohlašoval, že avantgarda vyvstávala aby bránil estetické standardy od úpadku chuti zapojené do konzumní společnosti a kýče vidění a umění jako opaky. Greenberg dále prohlašoval, že avantgardní a modernistické umění bylo chce vydržet vyrovnávat kultury produkované kapitalistickou propagandou. Greenberg si osvojil německé slovo ' kýč ' popisovat tento konzumerismus, ačkoli jeho konotace mají protože změnil se na více affirmative pojem odešel-přes materiály kapitalistické kultury. Greenberg později stal se známý pro zkoumat formální vlastnosti moderního umění.

Meyer Schapiro je jeden nejlepší-si pamatoval marxistické umělecké historiky střední-20. století. Ačkoli on psal o četných časových periodách a tématech v umění, on je nejlépe připomínán pro jeho komentář k soše od pozdního středověku a brzy Renaissance, ve které době on viděl důkaz vynoření kapitalismu a feudalismu klesající. Arnold Hauser napsal prvnímu marxistovi přehled západního umění, titulovaný sociální historie umění. V této knize, o kterou on se pokusil k přehlídce jak prvotřídní vědomí bylo odráženo v hlavních uměleckých obdobích. Jeho kniha byla sporná když publikoval během padesátých lét protože to dělá zevšeobecňování o celých érách, strategie nyní volala “vulgární marxismus”. T.J. Clark byl první umělecké dějepisecké psaní z marxistické perspektivy opouštět vulgární marxismus. On napsal marxistovi umělecké minulosti několika impressionisty a umělce realisty, včetně Gustavea Courbet a Édouard Manet. Tyto knihy zaostřily blízko na politických a ekonomických klimatech ve kterém umění bylo vytvořeno.

Nochlin a feminismus

Linda Nochlin esej “proč tam byli žádní velcí ženští umělci?” nastartoval feministickou historii umění během sedmdesátých lét a pozůstatky jeden nejvíce široce-číst eseje o umělcích ženy. V tom ona aplikuje feministickou kritickou kostru ukazovat systematické vyloučení žen od tréninku umění. Griselda Pollocková je další prominentní feministický umělecký historik, jehož použití psychoanalytické teorie je popisováno nahoře.

Barthes a sémiotika

Jak protichůdný k iconography který snaží se poznat význam, sémiotika je zaujatá s jak význam je vytvořen. Roland Barthes je implikován a naznačované významy jsou hlavní k této zkoušce. V nějakém zvláštním uměleckém díle, výklad závisí na identifikaci naznačovaného významu — uznání vizuálního znamení, a implikovaný význam — okamžité kulturní asociace, které jdou s uznáním. Hlavní starost semiotic uměleckého historika má přijít se způsoby, jak plout a vykládat implikovaný smysl.

Semiotic historie umění snaží se odkrýt kodifikovaný význam nebo významy v estetickém objektu tím, že zkoumá jeho connectedness ke kolektivnímu vědomí. Historici umění obyčejně nespáchají k nějaké jedné určité značce sémiotiky ale poněkud budovat sloučenou verzi, kterou oni včlení do jejich sbírky analytických nástrojů. Například, Meyer Shapiro si půjčoval Saussure diferencovanost význam v úsilí číst podepíše, zatímco oni existují uvnitř systému. Podle Schapiro, pochopit význam frontality ve specifickém ilustrovaném kontextu, to musí být rozlišeno od, nebo hleděl ve vztahu k, střídat možnosti takový jako profil nebo tříčtvrteční pohled. Schapiro spojil tuto metodu s prací Charlese Sanderse Peircewhose objekt, znamení a interpretant poskytovali strukturu jeho přístupu. Alex Potts demonstruje použití Peirceových pojetí k vizuální reprezentaci tím, že zkouší je ze vztahu k Mona Lisa. Tím, že vidí Mona Lisa, například, jako něco dál jeho materiality má identifikovat to jako znamení. To je pak rozpoznáno jak odkazovat se na objekt ven ze sebe, žena, nebo Mona Lisa. Obraz nevypadá, že naznačuje náboženský význam a může proto být převzat být portrét. Tento výklad vede k řetězu možných výkladů: kdo byl sitter v vztahu k Leonardovi? Jaký význam ona měla k němu? Nebo, možná ona je ikona všech womankind. Tento řetězec výkladu nebo “neomezeného semiosis” je nekonečný; umělecká dějepisecká práce má položit hranice na možné výklady jak hodně jak to má odhalit nové možnosti.

Sémiotika operuje pod teorií že obraz může jen být dohodnutý z divácké perspektivy. Umělec je nahrazen divákem jako dodavatel významu, dokonce do rozsahu že výklad je ještě platný bezohledně zda tvůrce měl zamýšlelo to. Rosiland Krauss přihlásil se k tomuto pojetí v jejím eseji “ve jménu Picasso.” ona odsuzovala umělecký monopol na význam a naléhala, že význam může jen být odvozen poté, co práce byla vzdálená od jeho historického a společenského kontextu. Mieke Bal argumentoval podobně ten význam dokonce neexistuje, než obraz je sledován divákem. To je jen poté, co uznal toto ten význam může stát se otevřený k jiným možnostem takový jako feminismus nebo psychoanalýza.

Divize obdobím

Pole historie umění je tradičně rozděleno do specializací nebo koncentrací založených na érách a oblastech, s dalším pododdělením založeným na médiích. Tak, někdo by mohl se specializovat na “19. staletou německou architekturu” nebo v “16. staletá toskánská socha.” náhradník-pole jsou často zahrnována pod specializací. Například, Ancient blízký východ, Řecko, Řím, a Egypt je celý typicky považoval specialitu za koncentrace Ancient umění. V některých případech, tyto specializace mohou být blízko spřízněné (jako Řecko a Řím, například), zatímco v jiných takové aliance jsou daleko méně přirozené (indické umění proti korejskému umění, například).

Non-západní umění je poměrný nováček v uměleckém historickém kanovníkovi. Nedávné revize sémantického rozdílu mezi uměním a artefakt přeformulovali objekty vytvořené v non-západní kultury ve více estetických termínech. Příbuzný s těmi studovat Ancient Řím nebo Ital Renaissance, specializování učenců v Africe, Ancient Americas a Asie je rostoucí menšina.

Profesionální organizace

Ve Spojených státech nejvíce důležitá umělecká historická organizace je [www.collegeart.org vysokoškolská umělecká asociace]. To organizuje každoroční konferenci a publikuje Přehled umění a Žurnál umění. Podobné organizace existují v jiných částech světa, také jak pro specializace, takovou jak architektonickou historii a renesanční historii umění. Ve V. Británii, například, Sdružení historiků umění je organizace premiéry, a to vydává časopis titulovaný Historie umění.

Viz též

Generál

Další četba

Zaznamenaný podle data

Externí odkazy

Generál

• Prostředky historie umění na webu důkladný adresář odkazů webu, dělený obdobím

Historici umění

• Biografický slovník umění záznamy historiků pro mnoho západních uměleckých historiků